人人心中都有一位不死超人
在西方Marvel、DC大廠的超級英雄被搬上大銀幕由真人出演前，日本早在60、70年代便有著「特攝」（日文漢字為「特撮」）的獨特影視文化，其往往以真人穿著誇張戲服來演出英雄和怪獸、搭配廉價的佈景，詮釋科幻或神怪的超現實題材。
這些熱門劇集不乏長壽之作，一演就長達幾十年，角色與劇情也隨著觀眾的口味持續世代輪替，一代代造型、卡司不斷推陳出新。當近年蝙蝠俠、蜘蛛人電影一再「重開機」（reboot），我們看著喬治克隆尼變成克里斯汀貝爾，托比麥奎爾變成安德魯加菲爾，更青春的面孔、生猛的肉體取代前人，似乎是長青的英雄影視系列作品（franchise）的不變宿命，但有沒有人想過，那些年華老去、不再炙手可熱的超人演員們，都到哪去了呢？
由音樂人黃立成（Jeff）監製、九把刀原創編劇，耗資七千萬打造的《變身》提供了一個有趣的出發點：萬一超人失業了怎麼辦？當曾經戴著超人面具、在螢幕前激動投入劇情的孩子們一一長大後，那些純真的夢想與熱血也會跟著被遺忘嗎？
儘管主角造型帶著濃濃的東洋風味，《變身》其實是個相當原汁原味的台灣本土類型片，它融匯了許多現下影視圈的流行文化，瀰漫著諧擬經典人物與台詞的濃濃惡趣味，更延續了近年國片「小人物也能出頭天」的勵志精神。
導演張時霖為資深的廣告與MV導演，曾二度獲得金曲獎最佳音樂錄影帶獎，更拍出了超過百支的經典廣告作品。商業影像的製作環境，訓練出他流暢、毫不拖泥帶水的明快喜劇風格，而他也極擅於將日常生活各處信手拈來的幽默笑梗，拼貼成生動又帶絲荒謬的情境。
從事影像工作將近13年的張時霖，在職業生涯的首支長片《變身》中學習從廣告導演「變身」為電影咖，更在日常生活中初嚐「變身」為人父的體驗，即便年屆不惑，他仍能帶著孩子般的好奇眼光與活力，在作品裡揮灑著生動而幽默的想像，本期《放映週報》專訪，我們請他分享從廣告跨足拍攝電影的種種心得，以及他心中所謂的「超人精神」又是什麼模樣？
導演是輔大大傳系廣告組畢業，也是相當資深的廣告與MV導演，可否談談自己當初投入影像工作的過程？
張時霖（以下簡稱張）：我雖然從大眾傳播系畢業，但唸的是廣告祖，照理說是要走廣告文案、行銷企劃的工作，但我從大學時就對影像特別有興趣，跨組到廣電組去修課，畢業前也分別在廣告公司、製作公司各實習了一個月，當時覺得比較有可能進廣告公司或代理商工作，但機緣巧合下，不知不覺又回到影像這條路上。
我畢業後第一份工作是在傳訊電視上班（現為中天電視），參與節目製作，早年所觀察到的電視台生態、導播工作實況，也放到了電影當中。之後我又到了MTV電視台擔任影像宣傳部製作人，接觸到國外音樂錄影帶的拍攝工作，又由於當時發片的知名藝人幾乎都會上我們節目，也因此漸漸在唱片圈有了人脈，後來他們問我想不想拍MV，沒想太多就接了，第一支就拍到大牌的張學友，後來比較有名氣的作品，應該就是樂團「糯米糰」的〈跆拳道〉，過去沒什麼人拍那種顛覆性、搞笑的MV，我也因為這部作品，很幸運地得了那年金曲獎最佳音樂錄影帶獎。
之後MV越拍越多，陸續拍了麻吉的〈Jump 2003〉、黃立行的〈音浪〉，也因此認識了「麻吉大哥」黃立成。早在七年多前，他就有拍攝電影的計畫，並且徵詢我的意願，介紹編劇九把刀和我認識，直到七年後才終於完成這部電影。
2005年九把刀在監製黃立成的牽線下與您接觸，並寫了《變身》的劇本，據說您也是一位超人與特攝迷，可不可以談談和九把刀發想故事、討論劇本的過程？歷時七年後，劇本又有哪些關鍵的修改、轉變？
張：這幾天在網路上看網友評論，有網友說導演一定是有接觸特攝片文化，才能拍出超人影集的細節。坦白說沒錯，我自己很喜歡蒐集無敵鐵金剛、鹹蛋超人（超人力霸王）等動畫或特攝影集的玩具，台灣並沒有自己的特攝文化，我們從小到大接觸的超人其實大多從日本引進，影片元素自然會和日本特攝片文化有一些淵源。
最早的原始故事源自於我的idea，Jeff大哥聽了之後很喜歡，但因為當時我寫的東西都是30秒的廣告腳本，對經營長片劇本並沒有信心，才又找了九把刀來加入團隊。一開始討論故事時，我們就聊得蠻愉快的，他也真的是個天才，兩個星期就交出第一稿劇本，我們也持續進行修改的工作，但因為當時電影不景氣，資金籌措困難，在九把刀被徵召入伍當兵後，整個計畫就暫時停擺。直到近年國片市場好轉，資金到位後，才在2011年重新啟動。
劇本中的某些笑點是拿當時流行的電影作調侃對象，但時間過了七年，觀眾早忘了那些梗，所以內容勢必得有所修正。九把刀的文字有很強的個人風格，一些市井小民的俚俗語言、搞笑對白，都是出自他的手筆，至於他一些比較遊走在尺度邊緣的幽默，例如AV那段有些寫得太露骨的部分，也有作些許調整。
這次編劇過程算是集眾人之精華。拍攝前有再找九把刀回來，但因為他也在籌備自己的電影，所以僅扮演類似監督的角色，後來還找了編劇何昕明幫忙修腳本（編案：近期作品有《南方小羊牧場》），不過他的劇本調性比較嚴肅，和我的想像有差距，所以很多東西還是我自己去寫，包括故事的架構、精神等等，此外編劇群還包括我的老婆施名黛，她是廣告文案，影片中一些很漂亮的文案、台詞都是她想的。
我今年已經四十一歲了，除了超人電影與搞笑之外，還希望能讓片中的超人精神能延伸出更廣泛的意義，增加電影的厚度，因此才在影片後面又加上談論「變身」意義的那一段。
廣告、MV在視覺畫面或意念上，講究要有很鮮明、突出的創意或「梗」，但電影講求長篇的敘事、人物的完整塑造，在跨足拍攝電影之前，您作了哪些準備?
張：我本身就喜歡看各類型的電影，也會閱讀影像相關的資料，但畢竟自己的本行是廣告，在影像語言的溝通上，我們被訓練必須在30秒之內打動觀眾，讓他們感動、大笑，或被引起購物的欲望，因此懂得更精準地掌握觀眾的情緒，知道哪些方式最能有效地打動人心。
我的廣告不是拍得極度感人，就是極度好笑，有些人看以為根本是兩個人拍的作品，有點精神分裂的傾向，我覺得不讓人看出自己的風格是什麼，會比較有趣，也才有機會去接觸、拍攝各種類型的影像。
過去許多電影導演拍攝時只會有分場劇本，不若廣告般必須精準計算每秒畫面，據說您這次拍攝前，親自畫了一千多張的分鏡手稿？
張：我跨入廣告、MV的拍攝工作，算一下已經是第十三年，對於影像的執行應該很有把握，但厚厚一本劇本攤開，還是會擔心如果沒有分鏡，劇組夥伴會不知道如何將文字敘述呈現為影像，所以就開始埋頭苦幹，把1200多cut的電影，當作將近100支15cut的廣告腳本一格格去畫；中間雖然想過找人來繪製分鏡腳本，但後來發現自己比較能抓到想要的角度和畫面，所以還是不能偷懶，該自己做的都親手來。
之後發現這樣的作法是對的，因為有了分鏡腳本，和劇組團隊的溝通比較清楚、有效率，能節省許多拍攝上的時間，好萊塢拍片一定也都有分鏡，甚至會做很多事先的測試，實際現場拍攝只要按著先前計畫走就好。我想許多導演的共同心聲，應該都希望電影前製、後期的時間如果能更充裕，有時間做足準備工夫，電影的品質會更好。
實際拍攝時的工作節奏呢？一天大概能拍幾個鏡頭？
張：如果一場戲我的分鏡是10顆鏡頭，實際上的量大概會是30顆，我記得第一天就拍了70幾顆鏡頭，非常可怕，因為這次的夥伴大多出自廣告團隊，攝影師王贊欽、美術郭志達（編按：電影美術作品有《不能說的秘密》、尚未上映的《瑪德二號》），已經是十幾年的朋友，默契也很夠，有時會利用之前合作時的拍攝經驗，來替代為現場溝通的術語，所以拍攝速度很快。比方說如果我希望這場戲的燈光氣氛要浪漫一點，可能會和攝影說我要那支「信義房屋」廣告裡的感覺，對方很快就能抓到我要的東西。
但畢竟我們過去以拍攝廣告、 MV為主，還是要有熟悉電影拍攝作業的人來控制進度，所以副導林冠慧（編按：短片《時代照相館》導演）就是很有經驗的電影副導，由她幫我們拉表、安排鏡頭的拍攝流程；此外，台北市電影委員會在勘景時也幫了我們不少忙。
作為一位廣告導演，以您對近年國片的觀察，您覺得自己能會台灣電影帶來哪些新的東西？廣告導演在拍攝電影時，又有哪些優勢？
張：其實這問題我不太好意思回答，畢竟《變身》只是我第一部作品，但從觀眾的角度來看，我會希望國片能離觀眾的距離再近一些，如果觀眾沒有接收到創作者的意念，會是一件很可惜的事。廣告都有一個清楚的訴求，著重觀眾的反應，如果觀眾沒有接收到廣告的訴求，就是一支無效的廣告，當然電影不能等同於廣告，但就訊息的溝通上，如果觀眾有接收到創作者的訊息、看見我們設計的細節，我們就會很開心。
廣告導演的優勢，在於節奏可以抓得更明快，不會讓電影顯得冗長，我也比較捨得去剪掉一些鏡頭，哪怕背後拍攝過程可能很辛苦，之後出DVD就知道了， 其實很多東西後來都刪掉了。
▲張時霖導演早年幫MTV音樂頻道拍攝的形象廣告
您過去拍攝的形象廣告或MV，常會將日常小人物置於很衝突、突兀的情境下，營造出獨特又帶有草根氣息的喜感，例如有支MTV形象廣告，是讓車主用唱歌仔戲的方式向拖吊交警求情。這次《變身》你也讓主角宇宙超人FLY在落魄失業時，跑去當臨演、拍廣告、演AV……，因此有了很多喜劇的情境，可否談談您是如何去發想出這些創意?
張：我平常很喜歡坐捷運，去觀察日常生活中形形色色的人物，我覺得台灣各個角落其實充滿了有趣的人事物，常常一天工作下來，和同事聊天的過程就會出現很多經典的梗，如果有類似古代的史官能隨行把這些東西紀錄下來，搞不好就能出一本很有趣的書。
而且台灣的幽默形式非常多元，可以玩台語、鄉土趣味的笑話，也可以玩文字遊戲的雙關，加上自己工作的關係，會看到來自不同文化的笑點；例如電影中那兩位男配角聽到郭雪芙說「Am I clear?」後，雖然說出的話內容很爆笑，但我卻讓他們刻意用平淡的表演去處理，就比較接近泰國廣告中常出現的冷幽默。
您自己有特別喜歡的影像作品或導演嗎？
張：我覺得拍喜劇非常不簡單，尤其長篇的電影，如果只是一直丟笑點，觀眾其實會疲乏。我自己特別喜歡日本的三谷幸喜導演，尤其是他最近的《鬼壓床了沒》，前面好笑，後面卻很感人，這是我覺得很了不起的地方。
我自己不是文青掛的導演，同事常會笑我就是台灣的王晶或周星馳。喜劇類型的話，周星馳的電影是讓人沒話說的，大家只要過年看電視一轉到他的電影，一定都會停下來看個幾分鐘，甚至還有人出書去整理他作品中的經典台詞，不論商業、無厘頭與否，光是這點就很了不起。此外，我也蠻喜歡國外的昆汀塔倫提諾那種暴力美學的幽默，下一部題材也許就是走他這種路線。
台灣本身並沒有所謂的「特攝片」文化，超人、英雄的動漫或影集完全移植自日本或歐美，為何會選擇用日本的超人形象作為《變身》主角造型的參考出發點？
張：這部電影我原本希望台灣的特攝影迷看了會喜歡，因為我們並沒有自己的特攝文化，影片的「宇宙超人Fly」造型其實加了許多我們自己設計的巧思，而不是抄襲某一款特定的超人，例如Fly在電影中是會放大、縮小，但《假面騎士》不會；此外Fly身上的「F」logo也是，所以他的造型融合了不同超人角色的元素。
我認為「抄襲」是改一改，隔天就拿來用，但如果經過了許多討論，花了許多心血、克服重重困難所做出來的成品，卻被指控抄襲，我會覺得有點嚴苛。抄襲的爭議一出來後，監製黃立成大哥和我其實一直有在處理，目前版權等相關的問題都已經解決了。
拍攝「超人」特攝劇題材的電影，對於台灣民眾的意義是什麼？
張：這個意義在上映後一週有慢慢顯現出來，每個人在比「變身」動作的時候都是很開心的，大家都有接收一個重點，那就是成為超人不一定要穿上那套衣服，現實中的平凡小人物，也都可以是超人。這個題材在國片中前所未見，視覺風格也很新穎，並且又融入了台灣在地的文化元素與社會現象，都是我想傳達的重點。
我自己有蒐集許多超人影集的玩具，櫃子裡有很多日本鹹蛋超人、無敵鐵金剛的模型，早期60年代的《雷鳥神機隊》（Thunderbirds）系列我也有蒐集，年代其實跨得很大。小時候沒有錢買玩具，長大後就一直買，各種類型都喜歡，有時候工作累了，看看櫃子裡的超人們直挺挺地站在那兒，好像他們在幫你打氣，感覺也挺好的。
劇情牽涉了兩代超人的汰舊換新，有網友認為造型上是參考了《假面騎士》從昭和到平成年代的轉變？ 是否有這樣的致敬意圖？
張：其實並沒有這麼明確的指涉和對應，Fly的造型是觀眾從小到大所看過各種超人形象的累積，而我們也會考量到視覺意象上的帥氣度和時代感，例如電影中「火星戰士」的造型原本是要設計給主角Fly，但他的服裝不夠帥，放在現代顯得過於粗糙、拙，若要根據劇情設定說它「夯」了十年，似乎也有點牽強，所以我們花了蠻多心思去修改、討論三代超人造型的新舊層次差異，
包括選角也是，陳柏霖和敖犬年紀其實差不多，但陳柏霖出道得早、又是備受粉絲仰慕的大仁哥，到底由誰取代他會有說服力，又能詮釋符合新時代潮流的偶像？後我們覺得敖犬其實具備新一代偶像的態度，而且又會跳舞，這是陳柏霖所沒有的優勢，所以就找他來擔綱新一代的超人「Face」。
在設計超人武打動作、以及相關的聲光特效時，又放了哪些巧思呢？
張：這次的武術指導是洪天祥Jimmy，我們希望舊一代超人Fly的武打動作比較呆板，一拳揮過來、對方就閃開，感覺一招一式都是套好，類似早期邵氏武俠電影的風格；而Face的動作則比較帥氣，綜合了摔角、各式格鬥技，甚至有街舞的成份。
後期特效也是，Fly戰鬥時如果打到手，爆出的是那種很陽春的火花，一刀掃過去時，帶著明顯是key上去、假假的光線；但Face的聲光特效就必須比較炫、華麗，接近現今電玩畫面的質感。
片中最重要的場景，應該就是「特攝棚」中的街道模型，在模擬過去台灣所沒有的「特攝棚」場景、特效時，又花了哪些工夫？
張：特攝棚的東西，我之前在廣告、MV各執行過一次，只是這次在規模、精緻度上有所提升。例如當中的捷運站、招牌字樣、摩天大樓、建築上懸掛的抗議標語……，都有仔細去模擬，希望讓觀眾能隱約辨識出那是台北市的街景，此外我們也因應爆破特效的需求，在部分大樓模型採取不同的材質，所以這次場景的完成度更為紮實。
過去將近三十年來，台灣並沒有這樣的拍攝片棚，所以我們也為這部片研發了許多技術，未來或許可以轉移、傳承給其他劇組。
陳柏霖這次要演出格外正義、陽光的形象，同時也有很多令人印象深刻的肢體演出，這部分的設計是來自演員自己的即興表演嗎？
張：片中許多表演來自於導演和演員的共同創作，有些動作我會親自下海演給他看，他看了笑一笑，立刻就學起來；有時他會順著角色的情緒，在現場即興發揮，例如主角鐵男在找工作時，拉開衣服瞄一下自己身體後說：「露點噢？沒這個打算。」就是他自己想的笑點，我看了後也覺得很優，就用在電影裡。
配角「全聯先生」邱彥翔給大眾的印象就是節奏緩慢，帶種呆板的冷調幽默，但這次他的演出自然且有情緒層次，和陳柏霖互動的感覺也很好，這方面是如何調整他的演出風格？
張：邱彥翔是我私下的朋友，也是名很認真的演員，怪獸這角色找了一陣子，但好像都少了什麼，如果演法太刻意搞笑，似乎就少了兄弟之間彼此吐槽的冷幽默。有次和他吃飯時，想到說怎麼不找他來試看看？
試戲時狀況其實並不好，因為他的講話方式還是太四平八穩，直到我和麻吉大哥看到他在「五月天」MV〈第二人生〉中一人分飾各行各業的角色，發現他的表演經過剪接後其實還不錯，才決定放手一搏。
因為這是電影長片，我一開始也沒什麼把握，但他在每次共同讀本之外，還會另外私下和我練台詞，調整他唸詞的情緒、斷句的方式，算是練台詞最認真的一位演員。演了幾場之後，他把「怪獸」這個角色演得越來越好，真的和柏霖發展出兄弟般的情誼，包括他看到主角鐵男中槍倒地的瞬間，不自覺大喊他的名字，也是他有感而發的自然反應。
片中有許多非職業的客串或兒童演員，有些人對表演相對缺乏經驗，是如何引導他們演出你心中設定的感覺？指導演員時，會讓他們實驗不同的演法，讓後製剪接時能有不同的選擇嗎？
張：指導小朋友演戲時，有個原則是不要叫他們重覆太多相同的事情，要讓現場保持新鮮、有趣的感覺，像是在「玩」一樣，他們才會比較進入狀況，這個訣竅也是來自我拍廣告的經驗。如果小朋友的台詞太難，可能也要適度幫他們簡化，例如片中那位小胖背詞狀況並不理想，他有時講一講，還會講到上一場戲的台詞，所以得一句一句幫他提詞。
至於客串藝人的部分，有些是之前合作過的對象，知道他們有搞笑的天份，例如我之前和李玖哲合作過「麻吉」的〈我愛周星星〉，知道他可以演得很over，就讓他在片中有許多爆笑的演出，有場他被打巴掌的戲，中間一直NG出狀況，還不好意思讓他被打了很多次。（笑）
經驗比較不足的演員，很難去完整表演好一個長的take，我會用分鏡去輔助他們表達故事，有時候鏡頭會顯比較多、零碎，節奏比較快些。而我導戲的經驗是，第一次的表演通常是最好的，之後重覆演就會越想越多，過度意識到自己的表演，反而不夠自然。
這是麻吉大哥黃立成第一次監製電影，和他合作的感想是什麼？作為一位製片人，他給了你哪些幫助？
張：其實他對日本特攝片文化也不是很了解，對於超人的想像也是偏向歐美那一派，但畢竟陳柏霖是亞洲人，比較適合演出東方的超人形象。
所以Jeff大哥其實給我很大的空間，過程中他會給意見，但大多仍尊重我的選擇，算是蠻寵我的一位監製。很幸運的是，他本身名氣夠，在演藝圈的人脈也廣，從籌備、拍攝、到宣傳，都有很多的麻吉相挺，所以《變身》英文片名會叫「Machi Action」，也有一部分是這個原因。
最後可否給《放映週報》的讀者一個進戲院觀賞《變身》的理由？
張：最近我覺得很感動，很多人都在網路上力挺、推薦《變身》。這部片CP值很高，看完後會很開心地走出戲院，並且在新的一年充滿動力，如果你也想要找到這種感覺，就歡迎來戲院看《變身》！
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