BL、張國榮與公路電影——專訪《我在這裡等你》導演鄧依涵、美術指導謝明仁

曾以編劇作品《親愛的卵男日記》（2018）榮獲優良電影劇本優等獎、影集《第一次遇見花香的那刻》獲頒金鐘獎的新銳導演鄧依涵，推出由范少勳與劉俊謙主演的首部劇情長片《我在這裡等你》。本作美術指導謝明仁過去曾參與《刺客聶隱娘》（2015） 、《沈默》（Silence，2016）、《地球最後的夜晚》（2018），於 2019 年入選柏林影展新銳營（Berlinale Talents），而後在短片《詠晴》擔任藝術總監，該片獲得第 58 屆金馬獎最佳劇情短片。本期《放映週報》專訪鄧依涵與謝明仁，一窺本片如公路電影的創作歷程；也試著從美術觀點切入，看見美術與故事如何相輔相成。

全新的旅程：首度執導劇情長片

《我在這裡等你》緣起於抓馬文化監製謝國豪的邀請。2022 年初，鄧依涵編導影集《第一次遇見花香的那刻》，甫播出便引發華語女同志觀眾圈熱議，成績吸引業界關注。於是陸續團隊洽詢合作的可能，其中最大量則屬 BL 劇集。當時導演正準備原創開發案，但亦想嘗試與不同團隊合作。第一次閱讀《我在這裡等你》劇本後，導演並沒有直覺聯想為 BL 或類 BL 作品，反而深受文本中公路、臺港文化串連的故事設定所吸引，遂順從直覺加入團隊。

當時，《我在這裡等你》已由吳沚默與梁詩韵兩位香港編劇完成第一版劇本，此版結構與當前院線播映並無大異，同為臺港雙男的公路之旅。鄧依涵的任務是將故事梳理調整得更「臺灣」，並且聚焦核心縮減公路旅行歷程，同時將跨越時空設定簡化。導演說明：「原本劇本後面的解釋篇幅有點大。」但考量到這類鑽研性設定解釋，說愈明愈容易令人困惑，或是強調理性邏輯會失去浪漫感，她選擇去弱化。希望觀眾專注在角色情感、相遇緣分，以及這個故事要引領去的方向。

此外，作為中華編劇學會副祕書長，鄧依涵在劇本上有所堅持。過去曾與 臺灣自殺防治學會接觸，理解戲劇在引起共鳴的同時，自殺情節容易誘導人們往負面方向思考。因此在主角顧天宇（劉俊謙飾）誤以為抵達鯨逝灣時的跳崖嘗試，做了趣味性的處理，以軟化負面聯想，並在片尾字卡夾著提醒。這都是她作為編劇身份的堅持。

劇本外的製作層面，監製考量到鄧依涵首次執導劇情長片，不擅長商業電影操作，希望能有導師或前輩協助，邀請如今已故的陳慧翎導演擔任顧問。兩人從影集《媽，別鬧了！》便曾結識，這次從劇本調整、選角、乃至於拍攝的演員指導，陳慧翎不顧當時身體已微恙，仍盡可能全程參與，甚至到現場給予各式意見，鄧依涵抱持無比感謝。

儘管鄧依涵參與初衷，最主要是跳脫舒適圈，嘗試與新團隊合作。不過，攝影與影像風格密切相關，是導演在現場最密切溝通的工作人員，牽涉到信任與默契。考量拍攝時間緊迫，便找來《第一次遇見花香的那刻》搭擋的攝影指導鍾艾。導演分享：「鍾艾這次跟大家一樣是有彈性的，很能夠接受新事物。」比方說劇中主角阿翔（范少勳飾）與顧天宇初相遇在艋舺華西街，經討論過後，團隊便嘗試類《重慶森林》（1994）的攝影風格，這便是團隊討論結果。

公路的旅程：角色們的成長歷程

美術指導謝明仁分享，團隊在前製風格定調時，就討論到顧天宇是小說家，很多故事夾雜虛實，因此電影不用強調寫實。鄧依涵補充，原本設定更魔幻，像是大男孩的郊遊之旅，現在版本收斂，更朝向觀眾。

然而，臺灣腹地不若歐美，過去有人提出臺灣不適合發展公路片，謝明仁則回應：「大家對公路距離很模糊，觀眾只會記得公路的過程，不會在意距離。」導演補充，故事中沒有明確說出鯨逝灣的地理位置，主角們就是找不存在的地方，觀眾大概知道由北到南即可。

公路電影，角色往往透過旅程自我放逐的架構，彼此不時交換主導地位，藉由事件串連學習成長。《我在這裡等你》亦不例外，主調是尋覓鯨逝灣，但過程路途艱辛，遭遇敵人追殺逃難、汽車拋錨偶遇瀑布秘境等等。鄧依涵說：「公路電影就是這樣子運動，事件會對故事跟角色有一些影響。」謝明仁也說這就像在過遊戲的關卡，角色們需要一些衝突，接著又要休息補充能量，才能再上路。

兩人以角色過夜的第一晚舉例，當時阿翔與天宇落腳汽車旅館。這類惡趣味的場域，加上同房共眠，容易引發觀眾的粉紅泡泡聯想。謝明仁以美術設定解釋，劇本上這場是想要設計角色比較可以挑逗互動、近距離接觸的私密空間。而之所以為監獄風格，是場勘後才決定的，可以增加色彩風格，又讓故事變得好玩些。導演說道：「這是要呈現出天宇無處可去，他只好跟著阿翔的感覺，但是又有種不知道他會被帶到哪去。」

《我在這裡等你》故事橫跨臺港，故事的視角該如何設定？導演回應：「畢竟故事就有臺灣跟香港，所以要讓香港人看得懂臺灣，臺灣人看得懂香港的這些劇情。」因此這趟公路，不全然是很「臺灣人」的想像出發，僅鎖定臺灣觀眾。謝明仁亦補充，現在是串流的時代，創作者必須要想到作品的未來，不全然去只製作單地域可以投射理解的作品。 

針對公路電影多場景的設定，謝明仁說明在繁多的場景之中，除了資源有限之外，美術最大的挑戰是角色屬性的設定。像天宇的狀態是俐落的直線，但他的色彩是最沒特徵的鬱悶單純的，這些是反映出香港的街區風景，以及港人直率的個性。至於阿翔是柔順的曲線，質地零碎點狀，色彩強烈感覺剛硬，這反映出臺灣人的含蓄但不坦白。

本片所有美學，都是跟隨著這些角色設定。電影場景可以看見蜿蜒的海岸線，弧狀的瀑布場域，蜿蜒的山路，回行的火車，陡峭的溫泉階梯，沙灘的浪花碎光。這些的臺灣自然風景，形成阿翔的風格。相對比的是，而天宇所在直挺的香港城市，整齊的房間，銳角的信紙。

曖昧的旅程：是不是 BL

曖昧情境與微妙互動，甚至欲拒還迎、互相試探的幽微情節，《我在這裡等你》很容易被定義為 BL ，甚至是同志電影。鄧依涵表示，這和監製一開始就有討論清楚定位，不要變成典型 BL 電影。她在讀劇本時，把自己投射為「觀眾」，發現自己喜歡兩位角色從原本狀態在旅程中認識後，互相帶給對方影響。這個關係變化，與性別並沒有這麼緊密相關，這個故事亦可以是兩個女生。因此儘管主角是男性，重點是角色的特質，這是生理女的自己亦能呈現、發揮的。

本片在宣傳時，文案以「心動系電影」定義。情節不時出現曖昧互動，比如說穿內褲裸身相見、在汽車旅館壁咚、瀑布脫衣戲水、暗巷貼身摀嘴、暖男幫擦頭髮、騎摩托車環抱、沙灘扭打壓身等等。雖然劇本沒有交代角色性向，安排角色情慾探索，但若有似無的眼神交流，著實令觀眾有無限遐想的解讀空間。

是否刻意遊走 BL 邊界？鄧依涵回應：「我覺得不是這樣子，因為它就是在劇本裡面。」這些舉動是角色們的自然反應，而非刻意的商業操作。至於觀眾看到類似 BL 的感覺或氛圍，會想到就會想到；但不會的話也是可以觀賞下去的。

鄧依涵進一步解釋「BL」這個標籤。過去她曾帶著《第一次遇見花香的那刻》參與國外同志或酷兒影展，但是國外影展、策展人、甚至是觀眾，他們都不清楚 BL 或 GL 這個類別。這是屬於東亞的文化。但是當她播放影片時，大家不會看不懂，或是誤讀電影核心，大家依舊可以理解故事。因此 BL 這個命題，或許僅只是標籤；重點是敘事內容與角色情感。

至於演員的火花是自然萌發，而非刻意操作。鄧依涵解釋，當時與監製討論演員名單後，就約大家一起碰面吃飯。范少勳與劉俊謙一拍即合，那時他們的 chemistry 就已經在了。而且《我在這裡等你》宛如呼應著現實，隨著兩位演員認識愈深，愈容易捕捉到他們的互動。

鄧依涵分享，秘境瀑布那場戲是阿翔的情緒轉折。在此之前，阿翔是一個天花亂墜講幹話的痞子；但與狗狗分離後，卻多添加了分「同理」。這來自於范少勳主動提及的角色心境分析，他認為狗狗是阿翔的分身，這場戲讓天宇觀察到阿翔好像有一些過去，或是有一些秘密是他以前沒有發現的。這些就來自於演員的創作。甚至，天宇的「靠北」，阿翔教天宇喊「你腦袋裝滿了水泥（atama konkurīto）」亦都是來自演員的即興表演，而非原始劇本設計的對白。  

懷念的旅程：永遠的哥哥

不僅是劇情末段的關鍵轉折，眼尖觀眾可以注意到《我在這裡等你》充滿許多張國榮（哥哥）的印記。比如說阿翔臺北家張貼了《星月童話》（1999）與《烈火青春》（1982）的電影海報，更在牆壁手寫上〈春夏秋冬〉的歌詞。鄧依涵表示，其實最初劇本其實不是設定張國榮。在討論劇本階段，阿翔角色對天宇這個香港筆友有期待想像，所以家中擺設必然要有香港的元素。此時張國榮的海報或專輯，僅只是箇中的物品擺設。但當團隊進一步討論到天宇的角色個性與進程，甚至是最後的時空變化影響，團隊這時候發現張國榮的元素必須跟故事更加貼合緊密。因此做出了總總設計，甚至挑選〈春夏秋冬〉這首歌，符合劇情的時間議題。

謝明仁認為美術必須跟著劇本，幫助故事在影像加分。他談及本作整體美術設計，圍繞在「月亮（鳥）與海洋（鯨魚）」、「〈春夏秋冬〉的歌詞」以及「香港文化致敬」 。除了上述之外，他也盡可能地在裡頭，放進哥哥粉絲才辨識出來的小彩蛋 。

劇情後段關鍵的花火節，亦與哥哥相關。當時謝明仁看到煙火設定，就去找了哥哥的歌詞，在〈我〉這首歌裡頭，有一段歌詞是「我就是我，是顏色不一樣的煙火」，這段顏色絢爛與眾不同的敘述，加上哥哥的專輯視覺一直都是色彩濃烈的，因此構成演唱會海報的初期設定。此外，元素符號上參照哥哥粉絲才懂的內容，「月亮」。唐鶴德曾在 IG 發布貼文緬懷，因為當年哥哥在演唱會上唱了〈月亮代表我的心〉，從此月亮變成摯愛的形象。哥哥粉絲們在往後都會在 IG 上以月亮緬懷哥哥。而本片需要跟海洋作連結，所以將「月亮階梯」的視覺融合進去演唱會海報，而月光下延伸出的階梯光影代表著永恆的愛。

至於開場阿翔房間有濃厚的《春光乍洩》（1997）情調，謝明仁做出了解釋。兩部電影性質不同，《春光乍洩》是逃離與漂泊與重建關係，那個阿根廷的房間確實是兩個人的家；但本片的房間是一個人的等待，它完全是阿翔的心理世界，是隔著海洋（臺灣海峽）的期盼。因此在致敬《春光乍洩》房間為前提下，取用「拼貼感」作為場景的核心。阿翔房間場景混合了壁報紙、壁癌、錫箔、霓虹燈、貼皮、海報等等亞洲常見的材質，是為了塑造出海洋切割陸地的混雜感，並用手寫歌詞體現阿翔日夜期待的心境。至於牆壁上的色彩是發想至港漫的設計。嚮往香港的阿翔鍾情古惑仔與港漫的俠客文化，牆壁大基底有拳打劍氣的青藍與黃光，然後藏了零碎的貼紙色彩，藉此強化阿翔房間的手工感。

在角色初期的設定中，美術組有位哥哥的粉絲小站，提出「無腳鳥」的想像。出自《阿飛正傳》（1990）的台詞：「我聽人家說，世界上有一種鳥是沒有腳的，它只可以一直的飛呀飛，飛得累了便在風中睡覺，這種鳥兒一輩子只可以下地一次，那一次就是它死的時候……。」 而這段對白就像是天宇一直懸著沒有落地的心情。導演聽完，覺得非常合適本片，就像劇本敘述天宇會將手伸出車窗外飛行般，象徵這趟旅途事不斷的游移，不確定那段落地的結果。 

至於電影中最重要的道具，信箱。謝明仁說明， 臺灣古董信箱會追溯成昭和的日本古董信箱，臺灣所能見到的古董很難脫離殖民色彩。而半簍空的形式非常適合本片的拍攝，便把簍雕的部分轉化成日本古典的郵政符號 「〒」。另外，他在信箱的彩光材質也加工設計，那是東亞精緻盒器常有的「螺鈿紋」。螺鈿正是把貝殼拼貼的工藝技術，除了彩色光澤外跟月光石有聯繫外，海洋文化可以串起連起「鯨逝灣」的一切。

導演的旅程：走出屬於自己的旅程

從短片《玫瑰色的裙》到影集，再到電影，這其中有何差異？鄧依涵分享，原創的故事一定會有深刻的創作動機，這個動機會綁得很緊，也會在每個階段聚焦檢視。反倒是非原創劇本，自己一開始會著重在喜歡、打動自己的東西。但隨著製作進程，可能發現更核心的另有他物，不像原創開始就抓得那麼清楚，就得必須慢慢摸索體悟。

這次《我在這裡等你》上映，透過電影故事，她希望可讓觀眾相信任何事情都是可以被解決的。也希望透過阿翔與天宇的相遇，提醒眾人更加珍惜身邊的人，然後也珍惜自己。這是一段關於旅程的故事，而她把故事交給觀眾，由大家走出屬於自己的旅程。■

．封面照片：《我在這裡等你》導演鄧依涵、美術指導謝明仁；攝影／蔡耀徵